Четыре начинающих южноафриканских художника, чьи работы будут представлены на выставке в Кейптауне

Южноафриканская художница Мари Сибанди делится мыслями о своей развивающейся творческой практике, роли наставника и создании площадок для молодых авторов через инициативу Occupying the Gallery.

Большую часть своей карьеры Мари Сибанди посвятила исследованию тем идентичности, истории и опыта чернокожих женщин в своем творчестве. Наиболее известна она благодаря своему альтер-эго Софи, которая изображается в образе домашней работницы. Сибанди использует скульптуру, фотографию и перформанс, чтобы бросить вызов общепринятым представлениям о расе, гендере и труде.

Однако ее творческий подход продолжает трансформироваться. В последнее время она больше фокусируется на понятиях отдыха, досуга и удовольствия. Возникают вопросы о том, что происходит, когда Софи перестает работать, и как выглядит свобода, если она не определяется борьбой или обязанностями.

Помимо собственной художественной деятельности, Сибанди заинтересована в поддержке других художников. Вместе с коллегой, южноафриканским художником Лоуренсом Лемаоаной, она основала Occupying the Gallery (OTG) — платформу, базирующуюся в Йоханнесбурге. Эта организация нацелена на развитие художников, наставничество и творческий обмен.

OTG не сосредоточена на выставках или коммерческих результатах; вместо этого она вовлекает начинающих художников в рабочие отношения с признанными практиками, дизайнерами и мастерами. Это пространство, где знания передаются посредством сотрудничества и экспериментов.

Одним из недавних проектов является резиденция с малийским художником Абубакаром Фофаной, чье творчество посвящено традиционному окрашиванию индиго и сохранению исконных африканских знаний. В рамках этой программы Фофана провел мастер-класс в Виктория Ярдс в Йоханнесбурге 24 октября, собрав местных креаторов, производителей денима и специалистов по моде.

Мы побеседовали с Сибанди, чтобы обсудить идеи, стоящие за Occupying the Gallery, какую поддержку могут оказать состоявшиеся художники следующему поколению, и как изменились ее собственные отношения с искусством с годами.

Лоуренс и я достаточно долго находимся в мире искусства, чтобы понимать, насколько сложным может быть в нем ориентирование, особенно на начальном этапе. Мы стремились создать то пространство, которого нам не хватало в молодости. Место, где художники могут экспериментировать, совершать ошибки, обмениваться идеями и просто заниматься искусством, не беспокоясь постоянно о создании чего-либо для продажи.

Сибанди подчеркивает важность этого аспекта, утверждая, что не все, что создает художник, должно попадать на чью-то стену. Occupying the Gallery не занимается продажей произведений искусства; ее миссия — построение сообщества, поддержка художников и открытие дверей. Кроме того, они хотели поставить под сомнение, кто вообще имеет право занимать эти арт-пространства.

По ее мнению, если человек имел возможность получить знания, опыт и доступ, что он делает с этим? Он просто хранит это при себе? Иногда достаточно просто познакомить кого-то с нужным человеком или пригласить его в место, куда он обычно не смог бы попасть. Однако Сибанди считает, что наставничество не должно сводиться к тому, чтобы говорить молодым художникам, что делать. Они должны находить свои собственные голоса, допускать собственные ошибки и даже оспаривать мнения наставников. Они не должны становиться маленькими копиями.

Лоуренс и Абубакар познакомились в Нью-Йорке несколько лет назад и сразу нашли общий язык. Они встретились снова в прошлом году в Берлине во время групповой выставки, и именно тогда начался глубокий разговор. Их заинтересовала приверженность Абубакара сохранению и передаче родовых знаний посредством натурального окрашивания индиго. В эпоху, когда многие исконные знания теряются или игнорируются, такие люди, как Абубакар, посвятили свою жизнь их поддержанию.

Для них это было не просто приглашение кого-то научить людей красить ткань. Это связано с передачей навыков, пониманием происхождения материалов и знаний, которые они несут. Они также пригласили местных производителей денима и дизайнеров моды, поскольку Сибанди интересует, что произойдет, когда эти традиционные методы встретятся с современным дизайном. Это и есть самое захватывающее.

Сибанди считает, что первое, что нужно сделать, это уметь слушать. Нельзя просто приехать, взять технику, потому что она кажется красивой, и игнорировать все, что с ней связано. За этими практиками стоят история, культура и знания. Именно поэтому присутствие Абубакара так важно: они не просто наблюдают за процессом окрашивания ткани, они учатся у человека, который несет эти знания и понимает их происхождение. Для нее культурный обмен должен быть диалогом, а не актом извлечения. Необходимо уважать людей и историю, стоящие за изучаемым.

В настоящее время она много думает о отдыхе, досуге и удовольствии. Долгие годы Софи ассоциировалась с домашним трудом и ожиданиями, возлагаемыми на тела чернокожих женщин. Софи — это ее альтер-эго, фигура домашней работницы, которую она использует для исследования истории и возможностей чернокожих женщин. Но теперь она исследует, что произойдет, если она решит, что ей достаточно всего этого. Что, если она просто захочет повеселиться? Что, если она захочет ничего не делать? Почему ее существование всегда должно быть связано с трудом, борьбой или какой-либо ответственностью?

Эти вопросы она исследует через скульптуру, фотографию, печатную графику и юмор. Она отмечает, что весьма радикально, когда тело, которое исторически ожидалось служить другим, решает просто наслаждаться собой. Софи заявляет о своем праве на досуг, и, по ее мнению, она на это имеет полное право.

Конечно. По мере взросления начинают возникать иные вопросы. Когда она начинала, ее главной заботой были истории домашнего труда, идентичности и репрезентации, особенно через опыт женщин из ее семьи. Эти истории не исчезли из ее работ, но теперь она интересуется не только их осмыслением, но и тем, что происходит после. Как выглядит настоящая свобода? Она также стала более игривой, наслаждаясь юмором, преувеличением и иногда создавая нечто абсурдное. Она считает, что не все должно быть таким серьезным, даже когда речь идет о серьезных темах.

Ее творчество по-прежнему движимо воображением и любопытством. Иногда в голову приходит образ, и она начинает думать о том, как воплотить его в реальном мире, что, конечно, влечет за собой сложную задачу определения способа реализации. Она работает с различными материалами и людьми, обладающими специализированными навыками, что подразумевает множество экспериментов и решения проблем. Ей нравится, что сам процесс создания иногда уводит идею в неожиданное русло. Она усвоила, что не следует контролировать все слишком сильно; иногда материал имеет свои планы.

Обычно с образа, поскольку она очень визуальный человек. Она может представить Софи в совершенно неожиданной ситуации, а затем задается вопросом, почему этот образ ее интересует. Что он означает? Что она пытается сказать? Или, возможно, она ничего не пытается сказать? Иногда ответы не приходят сразу, и это нормально. Ей нравится позволять значению раскрываться по мере работы, поскольку она не считает, что всегда нужно знать, куда пойдет идея до начала процесса.

Она на самом деле это ценит. Как только работа покидает ее студию, она перестает принадлежать ей полностью в плане понимания со стороны публики. Люди привносят в нее свои собственные истории и переживания, и иногда видят то, о чем она даже не задумывалась. И кто она, чтобы говорить им, что они неправы? Хотя она знает, что сформировало работу, она не считает, что искусство должно сопровождаться инструкцией, диктующей людям, что думать. Ей нравится, что работа может иметь разные смыслы для разных людей, ведь это поддерживает диалог.

Скорее всего, она посоветовала бы себе расслабиться немного. Доверять инстинктам, ошибаться, экспериментировать и не спешить со всем разобраться. Она также сказала бы себе, что быть художником — это не только создание произведений и участие в выставках. Это люди, которых ты встречаешь, отношения, которые строишь, и то, как ты используешь появляющиеся возможности. Глядя на деятельность Occupying the Gallery, она осознает, насколько это важно, и посоветовала бы себе получать от этого удовольствие, ведь это долгий путь.

Clout/SA представляет южноафриканское ремесло и современный дизайн мировой аудитории, демонстрируя работы, варьирующиеся от гобеленов ручной вышивки до скульптурного освещения и геометрических ковров.

Южноафриканский дизайн уникален тем, что через материалы передает истории. Нити, бусины, пробка, глина и шерсть перестают быть просто украшениями; они несут в себе воспоминания, отражают самобытность и связывают поколения мастеров с новой публикой. Clout/SA продолжает эту традицию, интегрируя местных дизайнеров и ремесленников в пространства, где их творчество является центральным элементом впечатления.

Одним из ярких примеров такого подхода является комната Айзека Шонгве в Йоханнесбурге. Здесь воплощается потенциал южноафриканского творчества, получившего возможность быть услышанным.

Видение Clout/SA

Трейси Линч, исполнительный креативный директор Clout/SA, заявила, что целью было поразить каждого посетителя мощными и яркими проявлениями южноафриканского дизайна и ремесла. Она подчеркнула, что нужно, чтобы люди осознали уникальность южноафриканского творчества и поняли, что объединение южноафриканцев создает великолепную силу, способную изменить представление людей о нации.

В центре этой комнаты находится произведение «The Resilience Piece» — монументальный вышитый гобелен от Keiskamma Art Project. Этот гобелен, созданный примерно 12 художниками в течение почти года, документирует опыт общины в сельской местности Восточного Кейпа во время пандемии Covid-19 посредством сложного текстильного повествования. Рядом расположены геометрические ковры от Сиянды Мбеле, скульптурные установки из пробки от Wiid Design, бисерные ширмы от Kalki Design Studio и рукотворный подвесной светильник от Mash.T Design Studio, которые добавляют свои материальные языки в пространство.

Себо Мвубу, директор Keiskamma Art Project, отметил, что процесс сотрудничества помогает им и связывает их с внешним миром. Он добавил, что они довольно изолированы в Гамбурге, Восточный Кейп, и не имеют большого доступа к медиа или социальным сетям. Победа в премии AIDA признает их работу и сотрудничество с Clout/SA, что способствует освещению их проектов, сообщества и деятельности, открывая новые возможности для партнерств и развития.

Совместно эти работы демонстрируют, как местный дизайн способен преобразить интерьер, делая его более значимым — местом встречи мастерства, сообщества и современной южноафриканской идентичности. Проект недавно получил признание Clout/SA на учредительных Африканских премиях дизайна интерьера (AIDA) 2026 в Котону, Бенин. Комната Айзека Шонгве была среди трех отмеченных проектов, наряду с редизайном офиса Union House и коллекцией текстиля Stitched: A Story of Our Home, разработанной совместно с Keiskamma Art Project и удостоенной звания «Продукт года» в категории Товары для дома и декора.

Помимо наград

Помимо самих наград, это признание свидетельствует о более широком движении в южноафриканском дизайне, которое соединяет наследие и инновации, одновременно создавая возможности для местных производителей выйти на новые рынки. С 2021 года Clout/SA способствовала экспорту южноафриканского дизайна на сумму более 225 миллионов рандов, разместив более 70 000 работ в свыше 25 странах.

Благодаря своей платформе, сотрудничеству и постоянной поддержке начинающих дизайнеров, Clout/SA продолжает налаживать связи между творческой практикой и коммерческими возможностями. Комната Айзека Шонгве воплощает это видение, показывая, как дизайн может сохранять истории, повышать уровень местных талантов и менять представления о южноафриканском творчестве. В данном контексте дизайн — это нечто большее, чем просто наполнение комнаты; это способ рассказывать наши истории на наших собственных условиях.

Конкурс изобразительного искусства Absa L’Atelier на протяжении 40 лет служит площадкой для молодых визуальных художников по всей Африке. Он был учрежден в 1986 году в сотрудничестве с Национальной ассоциацией изобразительных искусств Южной Африки (SANAVA).

Этот конкурс помогает признавать таланты художников, предоставляя им возможности для развития работ через выставки, наставничество и международное признание.

Победители 2026 года были объявлены на ярмарке Absa L’Atelier Art & Lifestyle Fair в Waterfall City Park в субботу, 10 октября. По сообщениям, в этом году конкурс привлек рекордное количество заявок и сотни подходящих работ от художников из 12 рынков Absa в Африке.

Три художника получили награды Амбассадора искусств Absa L’Atelier: Реджинальд Боатенг из Ганы, Эммануэль Чисенга из Замбии и Сегун Оволаби из Нигерии. Художница из Южной Африки Трезур Млима из Дурбана завоевала Премию Герхарда Секото Absa L’Atelier Art. Для каждого из победителей это признание имеет свое значение. Некоторые видят в нем шанс донести истории, укорененные в их общинах, до более широкой аудитории, в то время как другие надеются использовать поддержку для экспериментов с новыми техниками и оспаривания существующих художественных подходов.

Обсуждая свои работы и значение наград для дальнейших шагов, четыре художника поделились мыслями с изданием «The National».

Боатенг, чьи работы исследуют темы труда, психического здоровья, деградации окружающей среды и африканской идентичности, считает, что награда дает возможность представить эти истории широкой публике. Он заявил, что его творчество формируется его ганской культурой, окружающими людьми и историями, которыми они делятся как африканцы. Он убежден, что у каждого человека есть своя уникальная история и способ понимания мира, однако цвет является универсальным языком, связывающим людей и передающим эмоции, идеи и смысл вне слов.

К его работам относятся «Рыбалка за золотом», посвященная ценности труда; «Цвет эмоций», отражающий человеческое психическое состояние; «Наши воды краснеют», затрагивающий проблему экологии; и «Сын Африки», воспевающий африканскую идентичность. Несмотря на разнообразие тем, Боатенг видит в цвете связующее звено, позволяющее его посланиям преодолевать культурные и географические границы.

Он также выразил надежду, что признание поможет изменить представление о фотографии в современном искусстве. Получение награды Амбассадора искусств Absa L’Atelier предоставило ему платформу, чтобы мир увидел его истории через объектив, а также способствует более широкому признанию фотографии как законной формы современного искусства, достойной такого же уважения и места, как и другие виды искусства. Это укрепляет его веру в то, что фотография способна передавать мощные идеи, вызовы и перспективы. Вдохновленный сообщением банка «Ваша история имеет значение», он стремится создать пространство, где истории, идентичности и опыт Ганы и Африки будут замечены, оценены и поняты за пределами границ. Используя цвет как универсальный язык, он надеется объединить разнообразные истории по всей Африке и миру, напоминая, что, хотя индивидуальный опыт может различаться, всегда есть нечто, что сближает людей.

Для Чисенги эта награда имеет значение, выходящее за рамки его карьеры. Он стал первым художником из Замбии, получившим награду Амбассадора искусств Absa L’Atelier с момента введения групповой структуры конкурса в 2019 году. Этот художник, который много лет создавал произведения о детях и их воображении, отметил, что признание подтверждает, что истории Замбии могут найти свою аудиторию за пределами страны. Он подчеркнул, что этот этап означает для него многое: лично это подтверждение того, что его рассказы о детях, о неисследованном воображении, наконец-то услышаны. Эта награда говорит ему, что истории Замбии имеют место на континентальной арене, и ему не нужно рисовать как кто-то другой, чтобы быть замеченным. Чисенга надеется, что это достижение вдохновит молодых художников в Замбии заниматься своим делом, не чувствуя необходимости покидать страну ради признания. Он хочет, чтобы это стало сигналом для каждого молодого художника в Замбии, что не нужно уезжать, чтобы стать мирового уровня, достаточно честно рассказать свою замбийскую историю. Кроме того, он желает, чтобы награда изменила восприятие визуального искусства Замбии, привлекая внимание к живописцам, скульпторам и рассказчикам, чьи работы заслуживают большего внимания. Он добавил, что он первый, но его надежда — не последний.

Для Оволаби награда открывает возможности для развития как технических, так и концептуальных аспектов его практики. Нигерийский художник работает с нитями, используя этот материал для исследования памяти, идентичности и человеческих связей. Он намерен изучить, как нить может передавать эти идеи, выходя за рамки ее роли как средства, а также рассмотреть нигерийскую культурную идентичность и наследие, особенно способы, которыми люди продолжают интерпретировать и жить историей. Награда Амбассадора включает возможность провести персональную выставку, при этом банк вносит вклад в размере 100 000 рандов в покрытие материальных расходов. Победители также получают мастер-классы по искусству, ноутбук или эквивалентное устройство, а также четырехмесячное наставничество с ведущим авторитетом в области визуального искусства в их соответствующих странах. Оволаби отметил, что благодаря выставке и наставничеству он надеется бросить вызов своему текущему подходу, учиться у опытных специалистов и лучше понимать, как доносить свои идеи до разных аудиторий. Для него рост означает не только улучшение техники, но и обретение большей точности и уверенности в выбранных историях.

Что касается Млимы, Премия Герхарда Секото предоставит ему возможность поэкспериментировать со своей практикой рельефа и резьбы по дереву во время трехмесячного пребывания в Cité Internationale des Arts в Париже, Франция, с апреля по июнь 2027 года. Художник из Дурбана хочет выяснить, сможет ли он трансформировать свои рельефы и деревянные скульптуры в трехмерные работы, а также рассмотреть, как знакомство с иной культурной средой может повлиять на его исследование универсальности. Он заявил, что с огромными ресурсами и информацией, доступными ему, он хотел бы изучить возможность преобразования своих деревянных скульптур в трехмерные произведения. Кроме того, знакомство с другой частью мира определенно усилит его текущее исследование понятия универсальности.

Премия Герхарда Секото, учрежденная 18 лет назад, присуждается южноафриканскому художнику за целостность и качество его работ. Помимо пребывания в Париже, Млима получит возможность провести персональную выставку, при этом Absa внесет свой вклад в размере 100 000 рандов в покрытие материальных расходов. Эта награда стала возможной благодаря партнерству между Посольством Франции в Южной Африке и Institut français d’Afrique du Sud (IFAS). Жан Спири, глава отдела сотрудничества Посольства Франции в Южной Африке, Лесото и Малави и директор IFAS, отметил, что наследие Герхарда Секото напоминает о важности художественной свободы и обмена через границы. Благодаря этой премии молодые южноафриканские художники могут развивать свою практику и налаживать международные связи. Он поздравил получателя 2026 года и подтвердил приверженность поддержке художественного обмена между Францией и Южной Африкой.

Победители 2026 года теперь получат шансы развивать свою деятельность посредством выставок, наставничества и международного опыта. Заявки на следующий конкурс Absa L’Atelier Art Competition запланированы к открытию в марте 2027 года и закрытию в конце апреля.