Exposição no Pavilhão Nacional do Uzbequistão em Doha apresenta tradições através de miniatura, vidro e suzan

A exposição intitulada 'Levitação' foi realizada na Galeria de Belas Artes do Uzbequistão (NBU) em memória do escultor uzbeque Bayat Mukhtarov, que viveu de 1946 a 2015. A exposição demonstra obras criadas pelo artista nos últimos anos de sua vida, período em que ele buscava se afastar das noções tradicionais de escultura.

O evento apresenta trabalhos retirados da coleção do Banco Nacional do Uzbequistão, bem como da coleção particular do artista, fornecida por seus parentes. Bayat Mukhtarov nasceu em Andijan, mas sua formação como indivíduo ocorreu em Tashkent. Em 1979, ele estudou no Instituto Teatral e Artístico de Tashkent, especializando-se em escultura monumental e decorativa.

No entanto, em seu processo criativo, o escultor recusava conscientemente seguir os padrões acadêmicos. Ele tinha interesse em formas não convencionais e abordagens de vanguarda. Como recorda seu colega de turma, Ludvig Nesterovich, Bayat sempre se destacou por seu espírito livre e não gostava de cópia naturalista, preferindo encontrar novos métodos de expressão de ideias através da composição, combinação de diferentes materiais e uso de imagem condicional.

Após a formatura do instituto, quando as exigências por retratos realistas diminuíram, Mukhtarov começou a trabalhar em seu estilo único. Ludvig Nesterovich observa que o valor de sua obra reside justamente nessa individualidade, em não ser parecido com os outros.

Uma das influências significativas em Bayat Mukhtarov foi o escultor britânico Henry Moore, conhecido por suas figuras semiabstratas monumentais. Mukhtarov era atraído pela expressividade das formas incomuns, e segundo Nesterovich, ele via na obra de Moore energia e monumentalidade mesmo onde as proporções poderiam parecer incorretas e a solução, bastante simples. Contudo, Mukhtarov nunca copiou metodologias alheias, buscando criar sua própria linguagem artística.

A literatura e a filosofia também desempenharam um papel importante na vida de Mukhtarov. Entre seus autores favoritos estavam Kant, Hegel, Hemingway, Vonnegut, Bradbury, Lao Tsé e Confúcio. Marina Borodina, escultora, destaca que, assim como muitos membros de sua geração, o artista se interessava por ficção científica, e esse interesse encontrou reflexo em suas obras. Temas fantásticos e mitológicos serviam como ferramenta para discutir o mundo real e seu potencial.

Marina Borodina aponta que nas obras de Mukhtarov há uma união única entre a arte islâmica oriental, a literatura clássica americana e a filosofia. Na arte islâmica, é comum observar a fragmentação de grandes superfícies em inúmeros detalhes pequenos, o que despoja o volume de peso e cria uma sensação de dissolução no espaço. O artista alcançava um efeito semelhante usando detalhes para conferir uma sensação leve. Ele evitava a representação anatômica precisa, permitindo que as figuras fossem percebidas por silhuetas e motivos, o que atesta a ampla visão cultural e histórica do artista.

Mukhtarov trabalhava com diversos materiais, incluindo metal, pedra, cerâmica, vidro, esmalte e areia. Em suas composições multicamadas, texturas ásperas são dispostas ao lado de elementos metálicos brilhantes e inserções coloridas. Os componentes individuais mantêm sua independência e não se misturam em uma massa única.

Borodina explica que, diferentemente da escultura acadêmica, que se baseia na força e monumentalidade, Mukhtarov desmantelava esses cânones, buscando dar à escultura uma aparência quase ingrávida. Mesmo o metal pesado em suas obras parece 'flutuar' no espaço graças à abordagem incomum dos materiais, o que permitia criar uma fusão multicamadas, relevante até hoje.

O nome da exposição está diretamente ligado à obra central – uma escultura de 2009, feita de madeira, metal e esmalte. Nesta escultura, não há um volume sólido único. Seu núcleo consiste em vigas e placas de madeira, detalhes metálicos e fragmentos azul-brancos de esmalte. A composição é emoldurada por arcos metálicos que a circundam livremente e ultrapassam seus limites. O espaço entre os elementos permite ao espectador ver através da escultura, e a estrutura aberta forma uma sensação de movimento e leveza.

Ludvig Nesterovich acredita que o título reflete não apenas a impressão visual da obra, mas também o estado interior do próprio artista durante sua criação, comparando-o ao estado de 'flutuação'. Ele afirma que as obras de Mukhtarov evocam sensações semelhantes ecelestiais.

Além das esculturas, a exposição também apresenta telas em relevo. Marina Borodina compartilha que inicialmente o artista encontrava a imagem em trabalhos gráficos e só depois a transferia para o espaço tridimensional. Com o tempo, o desenho adquiria valor autônomo.

Borodina conclui que as obras de Mukhtarov exigem estudo atento. Inicialmente, a atenção do espectador é atraída por detalhes isolados – seja um arco de metal, um fragmento de madeira, uma inserção colorida ou uma imagem no painel. Em seguida, esses detalhes se unem em uma imagem que pode se transformar com a mudança de ângulo. O exemplo de Mukhtarov demonstra que na criação não há necessidade de seguir regras estabelecidas; é possível encontrar um caminho próprio e criar algo original.

A exposição 'Levitação' estará disponível para visitação até 14 de novembro. A galeria funciona de terça a sábado, das dez da manhã às seis da tarde, e a entrada na exposição é paga.

O Museu de Arte Moderna de Teerã (TMoCA) apresentará uma exposição intitulada «Em Busca do Irã: da Coleção do Museu de Arte Moderna de Teerã», que será inaugurada no sábado à tarde. De acordo com um comunicado da Mehr, a exposição analisa como o conceito de «Irã» é representado e compreendido através da lente das obras de diversos artistas mantidas no TMoCA.

A exposição aborda o significado nacional da coleção do TMoCA na história da arte iraniana moderna, examinando as diversas maneiras pelas quais os artistas vivenciam e interpretam o «Irã». Em um comunicado sobre a exposição, afirma-se: «Não perguntamos qual obra é mais iraniana; em vez disso, questionamos como o Irã serviu como objeto de visão e representação, e como ele persiste nas formas de ver e criar. A investigação da identidade iraniana nesta exposição começa com a experiência única dos artistas — uma experiência que às vezes é explicitamente o tema da obra, e às vezes se manifesta no estilo de expressão e construção. A pertença ao Irã pode ser acompanhada pela memória de um lugar, vida cotidiana, migração ou sentimento de perda, assumindo várias formas nas obras de cada artista».

«A exposição „Em Busca do Irã“ convida o espectador a reconsiderar sua própria percepção do Irã ao encontrar estas obras. Nestas peças, o solo por vezes torna-se o próprio material da obra, a escrita transforma-se num modo de ver, e os objetos retêm vestígios da vida e da memória humana. A presença de símbolos familiares não determina o significado da obra, assim como a sua ausência não implica necessariamente um afastamento da experiência iraniana».

A exposição está dividida em sete seções, cada uma curada por uma questão específica, oferecendo ao espectador caminhos paralelos para interpretar as obras. Estes caminhos não seguem a sequência cronológica da história da arte; em vez disso, as conexões visuais e conceituais entre as obras permitem confrontar diferentes interpretações. Sob este ponto de vista, nenhuma paisagem, rosto ou motivo serve como único representante da experiência iraniana.

Mais de cem obras da coleção de arte iraniana moderna serão apresentadas na exposição, incluindo trabalhos de artistas como Sohrab Sepehri, Parviz Tanavoli, Parviz Kalantari, Hossein Zandouri, Farah Osuli, Reza Maafi, Mohammad Ehsaei, Bahman Mohasses e outros. A exposição estará aberta ao público de domingo até meados de dezembro.

O museu, fundado em 1977, abriga mais de 4000 exposições, incluindo pinturas, gravuras, desenhos e esculturas iranianas, europeias e americanas de classe mundial dos séculos XIX e XX. Sendo a maior coleção de arte ocidental no Oriente, inclui obras de quase todos os períodos e movimentos artísticos.

O museu foi projetado pelo arquiteto iraniano Kamran Dibay, que utilizou elementos da arquitetura persa tradicional. O próprio edifício pode ser visto como um exemplo de arte moderna no estilo do museu subterrâneo Guggenheim. Grande parte do terreno do museu está subterrânea, com um caminho circular que desce e galerias que se estendem para fora. Nos jardins do museu, podem ser encontrados esculturas ocidentais de artistas como Ernst, Giacometti, Magritte e Moore.