A questão de como sobreviver fazendo teatro era frequentemente levantada por pessoas como Lalit, cujo pai trabalhava em um rickshaw e cuja mãe era dona de casa. Apesar das preocupações da família sobre os ganhos, Lalit manteve sua paixão pelo teatro, continuando a treinar em grupos teatrais em Delhi, muitas vezes pagando as aulas do próprio bolso.
A situação mudou quando ele viu um anúncio perto de Mandi House, no distrito das artes cênicas da cidade, sobre o programa Bargad. Este programa oferecia treinamento gratuito e uma bolsa mensal. Lalit recorda-se com alegria de ter decidido tentar e se juntou à primeira turma de 14 participantes em janeiro de 2025.
Na primeira aula, a cofundadora Amba pediu aos participantes que registrassem suas expectativas do programa e voltassem a elas após seis meses. Inicialmente, Lalit esperava que a participação o levasse a uma 'escola de drama renomada' e lhe desse qualificação para a família, mas o problema que sua família apresentava era exatamente a questão que Bargad pretendia resolver.
Quem tem o direito de contar suas histórias?
Por trás do programa estava uma questão mais ampla: quem pode fazer teatro se o treinamento exige dinheiro, tempo e renda estável? Para Amba, cofundadora do Bargad e diretora acadêmica do programa, essa questão surgiu de sua própria experiência nas artes performáticas. Após estudar na Royal Academy of Music and Drama em Londres e trabalhar por cinco anos em Londres, ela retornou à Índia com o desejo de criar sua própria prática teatral.
Ela não estava preocupada apenas com o acesso ao treinamento e às oportunidades profissionais, mas também com quais histórias, imaginações e vozes artísticas são valorizadas em primeiro lugar. Amba observa que existe um forte sistema de controle de acesso nas artes performáticas, moldado pela casta e privilégios que são aleatórios de nascimento. Bargad visa questionar esse sistema de controle.
Para Anirudh, outro cofundador do Bargad e diretor do curso do programa, essa questão se tornou pessoal há cerca de dez anos, quando ele trabalhava em uma peça sobre a Lei dos Tribos Criminosas. Antes disso, sua origem privilegiada o escondia de muitas desigualdades. Ele admite que vivia em uma 'pequena bolha', sem ver o mundo ao seu redor, até que a peça se tornou seu primeiro confronto honesto com a realidade da casta e do trabalho dos Ambedkar.
Em 2025, Bargad foi fundado por Amba Sukhasini K Jala e Anirudh Nair com a participação de Sanyukta Saha, que dirige o Fundo Teatral Agaaz, e Shambhavi Singh, fundadora do Oddbird Theatre. A primeira turma começou em janeiro de 2025. Para Amba, expandir o acesso significava não apenas convidar novas pessoas para instituições existentes, mas mudar as condições que determinam quem pode entrar no campo.
Pagamento aos alunos para garantir a possibilidade de criar teatro
A primeira resposta prática do Bargad foi tornar o treinamento gratuito e pagar aos participantes. As duas primeiras turmas recebiam 10.000 rúpias por mês, e a terceira, que começa em janeiro de 2027, receberá 15.000 rúpias. As aulas ocorrem das 16:00 às 20:30, seis dias por semana, permitindo que os participantes trabalhem durante o dia. Muitos candidatos são provedores financeiros em suas famílias, e a frequência às aulas pode significar abrir mão de horas que poderiam dedicar ao trabalho.
Anirudh enfatiza que 'para os participantes, o alto custo de oportunidade de gastar tempo aprendendo arte é significativo'. A garantia da bolsa também ajuda a convencer suas famílias. Lalit, antes de se juntar, pagava sozinho pelo treinamento de teatro e às vezes dependia de irmãos e irmãs por dinheiro. A bolsa lhe deu um senso de independência financeira.
Ele compartilha que 'pela primeira vez me pagaram pelo teatro'. Inicialmente, ele não conseguia acreditar nisso, mas entendia que era uma ótima oportunidade para permitir-se aquilo que mais amava. Graças à bolsa, ele não precisava pedir dinheiro a irmão ou irmã, e gastava-o em viagens, livros e necessidades pessoais. Ele não informava os pais sobre sua seleção; apenas seu irmão sabia. A questão do que o teatro poderia lhe dar permanecia sem resposta, mas pela primeira vez ele tinha espaço para descobrir isso.
Bargad também contesta a suposição de que a falta de educação formal significa falta de talento. O número de inscrições aumentou de cerca de 75 no primeiro ano para 200 no segundo. Os candidatos podem se inscrever em inglês ou hindi por meio de inscrições escritas ou em vídeo. Um júri online independente seleciona cerca de 30 candidatos para três audições presenciais rigorosas, seguidas por uma audição em grupo que testa habilidades de escuta, colaboração, reação à direção e habilidades de conjunto. Um segundo júri escolhe o grupo final de 14 pessoas.
Amba explica que 'mantemos o grupo pequeno intencionalmente para que cada participante receba atenção individual constante, mentoria próxima e espaço para assumir riscos, experimentos e crescimento em um conjunto íntimo'. O programa de treinamento de seis meses abrange voz, movimento, atuação, improvisação, escrita e criação, com a participação de praticantes convidados de Delhi, Mumbai, Bengaluru e Chennai. O foco não está apenas em aprender técnicas, mas em encontrar maneiras de usar essas técnicas para criar uma obra original.
O palco nunca realmente termina
Neil Chaudhuri, instrutor de criação que ensina no Bargad desde sua fundação, trabalha com os participantes no desenvolvimento de peças baseadas em tarefas dentro da disciplina de 'Criação' ou, como ele chama, 'aprender a olhar para dentro e inventar qual história se quer contar por conta própria'. Nas 'Laboratórios de Criação', realizados a cada duas semanas, os participantes criam cenas curtas e voltam a elas com o tempo, observando como a ideia muda com o trabalho contínuo.
Ele diz: 'A ideia não é que eles criem uma cena perfeita em duas semanas, mas sim seguir o processo, aprender como uma história é conceituada e tudo o que é necessário para sua concretização'. Essa distinção é importante. Em vez de considerar a primeira versão da cena como um produto finalizado, o processo incentiva os participantes a revisar suas escolhas, testar diferentes abordagens e descobrir o que o trabalho pode se tornar. O foco está no desenvolvimento da ideia, e não apenas na produção rápida de algo.
Essa abordagem também expande o conceito do que pode ser considerado material para teatro. Neil explica: 'Uma cena não precisa começar com um evento extraordinário ou uma história totalmente formada. Um objeto comum, um incidente memorável ou um desconforto pessoal pode ser o ponto de partida. A essência está em investigar a experiência e encontrar uma maneira de comunicá-la ao público.'
As aulas são conduzidas predominantemente em hindi, e os professores são solicitados a trabalhar bilíngue. Ele observa: 'Os participantes podem fazer perguntas e experimentar sem sentir que já devem conhecer as convenções teatrais. E a língua desempenha um papel grande nisso.'
Quando a vida se torna história
Para Pirna Bisht, que ingressou no programa em 2026 após uma tentativa fracassada de inscrição no ano anterior, esse processo começou com comida. Durante um seminário conduzido por Vamsi, um artista teatral interdisciplinar que explora a complexa relação entre casta e comida, os participantes foram convidados a contar histórias através do que comiam. Esta tarefa levou Pirna de volta à sua infância em Haryana, onde a alimentação vegetariana de sua família era algo que precisava ser escondido.
Ela lembra: 'Meu pai trancava todas as portas e janelas enquanto cozinhava para que ninguém soubesse o que comíamos'. Um dia, um vizinho criança entrou, e eles rapidamente esconderam os pratos. 'Por muito tempo eu tive vergonha da minha comida e frequentemente comia o almoço escolar, escondendo-me de todos', lembra Pirna com um tom de tristeza na voz.
Essa memória foi mais do que apenas uma refeição. Ela refletiu como o medo do julgamento pode perseguir uma pessoa para além de casa, transformando uma parte normal da vida em uma fonte de constrangimento. O seminário deu a Pirna a oportunidade de reconsiderar essa experiência e estudar o que ela significava para ela. 'No Bargad, a comida se tornou uma forma de entrar na história da pressão social, sigilo e vergonha que eu carregava na escola. Eu senti alívio', diz ela.
Esta é uma das possibilidades de criação: experiências que de outra forma permaneceriam privadas podem ser formatadas em material para apresentação. O processo não apaga o que aconteceu. Ele dá à pessoa que conta a história uma maneira de vê-la de outra forma e decidir o que deseja compartilhar.
Levar a história ao palco
Após qualquer programa, os estudantes frequentemente se perguntam: 'E agora?'. No teatro, essa ansiedade pode ser multifacetada devido à falta de oportunidades, custos crescentes e inacessibilidade. Para resolver esse problema, os fundadores lançaram o programa Bargad ka Chautry, um programa adicional de seis meses para o qual os graduados podem se inscrever. Ele inclui workshops sobre condução de seminários, captação de recursos e encenação, entre outros, treinamento de apoio. Os alunos também podem se inscrever em um dos dois subsídios de produção de 100.000 rúpias cada.
A turma de Lalit usou um dos subsídios para transformar uma cena de 15 minutos sobre coleta manual de lixo em uma peça completa chamada 'Hawa Mahal'. O grupo entrevistou pessoas envolvidas na coleta manual de lixo, cujas experiências serviram de base para a produção. Em seguida, Lalit fez parte de uma equipe de produção maior e projetou cenários de tubos e janelas que também serviam como escotilhas. Durante sete meses, os alunos desenvolveram a produção, estudando não apenas como formar uma história, mas também como organizar o trabalho necessário para apresentá-la ao público. Para Lalit, isso significou assumir responsabilidades que iam além da atuação e ajudar a transformar as pesquisas do grupo em uma produção cênica.
Encontrar um lugar para a história
A apresentação da peça no palco apresentou outro problema. O público ao redor de Mandi House pode custar de 80.000 a 100.000 rúpias por dia, enquanto os espaços independentes disponíveis são limitados e frequentemente reservados com antecedência. 'Hawa Mahal' realizou seis apresentações, uma delas no Ashoka University. Para Lalit, a reação após uma apresentação tornou o trabalho valioso. 'Após três apresentações, em uma reunião pós-espetáculo, os espectadores nos agradeceram por contarmos essa história', diz ele.
No entanto, levar uma história da sala de aula ao público requer financiamento, tempo de ensaio e espaço. Ser capaz de desenvolver uma produção é pouco útil se não houver um local acessível para mostrá-la. Neil afirma: 'Não é possível trabalhar no teatro sem espaço, tanto para criar o trabalho quanto para mostrar ao seu público.'
Bargad tenta resolver esse problema criando uma rede de espaços, pessoas e recursos que podem ajudar os participantes a superar essa lacuna. Nikhil Mehta, do Black Box Okhla, participou do programa e do programa de graduados. Outros participantes continuaram seu trabalho de diferentes maneiras: um graduado de uma vila em Bihar recebeu um subsídio de 100.000 rúpias para escrever uma peça, um participante da segunda turma ingressou na Escola Nacional de Teatro, e outro ganhou uma bolsa integral na Escola de Teatro de Mumbai.
Mantendo a porta aberta
O futuro do Bargad depende de garantir a sustentabilidade dessas oportunidades. Em dois anos, o programa dependeu de cerca de 20 a 25 doadores privados, que contribuíram com de 5.000 a 500.000 rúpias. Seu apoio ajudou a manter seu funcionamento, mas a dependência da generosidade de indivíduos dificulta o planejamento de longo prazo.
Amba declara: 'Sustentabilidade não é encontrar mais benfeitores a cada ano. É encontrar parceiros de longo prazo que entendam que o acesso não pode depender da generosidade anual, para que possamos planejar por três, quatro, cinco anos à frente'. Com um financiamento mais estável, ela espera criar cursos anuais em cada megalópole, fazer turnês com produções e oferecer bolsas maiores. Essas ambições expandirão as oportunidades.
