Quatro artistas sul-africanos iniciantes cujas obras serão apresentadas em exposição em Cidade do Cabo

A artista sul-africana Mari Sibandi compartilha reflexões sobre sua prática criativa em evolução, o papel de mentora e a criação de espaços para jovens autores através da iniciativa Occupying the Gallery.

Grande parte de sua carreira, Mari Sibandi dedicou-se à exploração de temas de identidade, história e experiência de mulheres negras em sua obra. Ela é mais conhecida por seu alter ego Sophie, retratada como uma trabalhadora doméstica. Sibandi utiliza escultura, fotografia e performance para desafiar as noções convencionais de raça, gênero e trabalho.

No entanto, sua abordagem criativa continua a se transformar. Recentemente, ela tem focado mais nos conceitos de descanso, lazer e prazer. Surgem questões sobre o que acontece quando Sophie para de trabalhar e como é a liberdade se não for definida pela luta ou deveres.

Além de sua própria atividade artística, Sibandi está interessada em apoiar outros artistas. Juntamente com seu colega, o artista sul-africano Lawrence Lemaoana, ela fundou a Occupying the Gallery (OTG) — uma plataforma sediada em Joanesburgo. Esta organização visa o desenvolvimento de artistas, a mentoria e a troca criativa.

A OTG não se concentra em exposições ou resultados comerciais; em vez disso, ela envolve artistas iniciantes em relações de trabalho com praticantes, designers e mestres reconhecidos. É um espaço onde o conhecimento é transmitido através da colaboração e experimentação.

Um dos projetos recentes foi a residência com o artista maliano Abubakar Fofana, cujo trabalho se dedica à tinturaria tradicional com índigo e à preservação do conhecimento africano ancestral. No âmbito deste programa, Fofana ministrou uma oficina na Victoria Yards em Joanesburgo em 24 de outubro, reunindo criadores locais, produtores de jeans e especialistas em moda.

Conversamos com Sibandi para discutir as ideias por trás da Occupying the Gallery, que tipo de apoio os artistas estabelecidos podem oferecer à próxima geração e como suas próprias relações com a arte mudaram ao longo dos anos.

Lawrence e eu estamos no mundo da arte há tempo suficiente para entender quão complexa pode ser a navegação nele, especialmente no início. Buscamos criar aquele espaço que nos faltou quando éramos jovens. Um lugar onde os artistas possam experimentar, cometer erros, trocar ideias e simplesmente fazer arte, sem se preocupar constantemente em criar algo para vender.

Sibandi enfatiza a importância desse aspecto, afirmando que nem tudo o que um artista cria precisa ir para uma parede de alguém. A Occupying the Gallery não vende obras de arte; sua missão é construir uma comunidade, apoiar artistas e abrir portas. Além disso, eles queriam questionar quem realmente tem o direito de ocupar esses espaços de arte.

Na opinião dela, se uma pessoa teve a oportunidade de adquirir conhecimento, experiência e acesso, o que ela faz com isso? Ela simplesmente guarda para si? Às vezes, basta apresentar alguém à pessoa certa ou convidá-lo para um lugar onde ele normalmente não conseguiria entrar. No entanto, Sibandi acredita que a mentoria não deve se resumir a dizer aos jovens artistas o que fazer. Eles devem encontrar suas próprias vozes, cometer seus próprios erros e até mesmo contestar as opiniões dos mentores. Eles não devem se tornar pequenas cópias.

Lawrence e Abubakar se conheceram em Nova York há alguns anos e imediatamente se deram bem. Eles se reencontraram no ano passado em Berlim durante uma exposição de grupo, e foi então que começou uma conversa profunda. Eles ficaram interessados no compromisso de Abubakar em preservar e transmitir conhecimentos ancestrais através da tinturaria natural com índigo. Em uma era em que muitos conhecimentos ancestrais estão sendo perdidos ou ignorados, pessoas como Abubakar dedicaram suas vidas a mantê-los vivos.

Para eles, não foi apenas um convite para alguém ensinar as pessoas a tingir tecidos. Está ligado à transmissão de habilidades, ao entendimento da origem dos materiais e dos conhecimentos que eles carregam. Eles também convidaram produtores locais de jeans e designers de moda, pois Sibandi está interessada no que acontecerá quando esses métodos tradicionais encontrarem o design moderno. Isso é o mais fascinante.

Sibandi acredita que a primeira coisa a fazer é saber ouvir. Não se pode simplesmente chegar, pegar uma técnica porque parece bonita, e ignorar tudo o que está associado a ela. Por trás dessas práticas há história, cultura e conhecimento. É por isso que a presença de Abubakar é tão importante: eles não estão apenas observando o processo de tingimento de tecido, eles estão aprendendo com uma pessoa que carrega esse conhecimento e entende sua origem. Para ela, a troca cultural deve ser um diálogo, e não um ato de extração. É preciso respeitar as pessoas e a história por trás do que está sendo estudado.

Atualmente, ela pensa muito sobre descanso, lazer e prazer. Por muitos anos, Sophie esteve associada ao trabalho doméstico e às expectativas impostas aos corpos de mulheres negras. Sophie é seu alter ego, a figura da trabalhadora doméstica que ela usa para explorar a história e as possibilidades das mulheres negras. Mas agora ela explora o que aconteceria se decidisse que já tinha o suficiente. E se ela simplesmente quisesse se divertir? E se ela quisesse não fazer nada? Por que sua existência sempre deve estar ligada ao trabalho, à luta ou a alguma responsabilidade?

Ela explora essas questões através de escultura, fotografia, gravura e humor. Ela observa que é bastante radical quando um corpo que historicamente foi esperado para servir aos outros decide simplesmente desfrutar de si mesmo. Sophie reivindica seu direito ao lazer, e, em sua opinião, ela tem todo o direito a isso.

Claro. À medida que cresce, surgem outras questões. Quando começou, sua principal preocupação eram as histórias do trabalho doméstico, identidade e representação, especialmente através da experiência das mulheres de sua família. Essas histórias não desapareceram de seu trabalho, mas agora ela está interessada não apenas em compreendê-las, mas no que acontece depois. Como é a verdadeira liberdade? Ela também se tornou mais brincalhona, aproveitando o humor, o exagero e, às vezes, criando algo absurdo. Ela acha que nem tudo precisa ser tão sério, mesmo quando se trata de temas sérios.

Sua obra continua impulsionada pela imaginação e curiosidade. Às vezes, surge uma imagem na cabeça, e ela começa a pensar em como concretizá-la no mundo real, o que, claro, implica o complexo desafio de definir o método de implementação. Ela trabalha com vários materiais e pessoas com habilidades especializadas, o que implica muitos experimentos e resolução de problemas. Ela gosta que o próprio processo de criação às vezes leve a ideia a um rumo inesperado. Ela aprendeu que não deve controlar tudo demais; às vezes, o material tem seus próprios planos.

Geralmente a partir de uma imagem, já que ela é uma pessoa muito visual. Ela pode imaginar Sophie em uma situação completamente inesperada e então se pergunta por que essa imagem a interessa. O que ela significa? O que ela está tentando dizer? Ou talvez ela não esteja tentando dizer nada? Às vezes, as respostas não vêm imediatamente, e isso é normal. Ela gosta de deixar o significado se revelar à medida que o trabalho avança, pois não acredita que sempre é preciso saber para onde a ideia irá antes de começar o processo.

Ela realmente valoriza isso. Assim que a obra sai de seu estúdio, ela deixa de pertencer totalmente a ela em termos de compreensão pelo público. As pessoas trazem suas próprias histórias e experiências para ela e, às vezes, veem coisas sobre as quais ela nem sequer pensou. E quem ela é para dizer a elas que estão erradas? Embora saiba o que formou a obra, ela não acredita que a arte deva vir acompanhada de instruções ditando às pessoas o que pensar. Ela gosta que a obra possa ter diferentes significados para diferentes pessoas, pois isso sustenta o diálogo.

Provavelmente, ela diria a si mesma para relaxar um pouco. Confiar nos instintos, errar, experimentar e não apressar a compreensão de tudo. Ela também diria a si mesma que ser artista não é apenas criar obras e participar de exposições. São as pessoas que você conhece, os relacionamentos que você constrói e como você usa as oportunidades que surgem. Olhando para a atividade da Occupying the Gallery, ela percebe o quão importante isso é e diria a si mesma para aproveitar isso, pois é um caminho longo.

Clout/SA apresenta o artesanato e o design sul-africano ao público mundial, exibindo trabalhos que variam desde tapeçarias bordadas à mão até iluminação escultural e tapetes geométricos.

O design sul-africano é único porque transmite histórias através dos materiais. Fios, contas, cortiça, argila e lã deixam de ser meros adornos; eles carregam memórias, refletem a identidade e conectam gerações de artesãos com um novo público. A Clout/SA continua essa tradição, integrando designers e artesãos locais em espaços onde sua criatividade é o elemento central da experiência.

Um exemplo notável dessa abordagem é a sala de Isaac Songwe em Joanesburgo. Aqui se materializa o potencial da criatividade sul-africana, que ganhou voz.

Visão da Clout/SA

Tracy Lynch, Diretora Criativa Executiva da Clout/SA, afirmou que o objetivo era impressionar cada visitante com manifestações poderosas e vibrantes do design e artesanato sul-africano. Ela enfatizou a necessidade de as pessoas reconhecerem a singularidade da criatividade sul-africana e entenderem que a união dos sul-africanos cria uma força magnífica capaz de mudar a percepção sobre a nação.

No centro desta sala está a obra 'The Resilience Piece' — um tapeçaria bordada monumental do Keiskamma Art Project. Esta tapeçaria, criada por cerca de 12 artistas ao longo de quase um ano, documenta a experiência da comunidade no campo do Cabo Oriental durante a pandemia de Covid-19 através de uma narrativa têxtil complexa. Ao lado, há tapetes geométricos de Siyanda Mbele, instalações esculturais de cortiça da Wiid Design, biombos de miçangas da Kalki Design Studio e um lustre artesanal da Mash.T Design Studio, que adicionam suas linguagens materiais ao espaço.

Sebo Mvubu, diretor do Keiskamma Art Project, observou que o processo de colaboração os ajuda e os conecta com o mundo exterior. Ele acrescentou que eles são bastante isolados em Gamburg, Cabo Oriental, e não têm grande acesso à mídia ou redes sociais. O prêmio AIDA reconhece seu trabalho e colaboração com a Clout/SA, o que ajuda a dar destaque aos seus projetos, comunidade e atividades, abrindo novas oportunidades para parcerias e desenvolvimento.

Juntas, essas obras demonstram como o design local pode transformar o interior, tornando-o mais significativo — um lugar de encontro de maestria, comunidade e identidade sul-africana moderna. O projeto foi recentemente reconhecido pela Clout/SA nos Prêmios Africanos de Design de Interiores (AIDA) de fundação em Cotonou, Benin. A sala de Isaac Songwe estava entre os três projetos premiados, juntamente com o redesenho do escritório Union House e a coleção têxtil Stitched: A Story of Our Home, desenvolvida em parceria com o Keiskamma Art Project e laureada com o título de 'Produto do Ano' na categoria Bens para Casa e Decoração.

Além dos Prêmios

Além dos próprios prêmios, este reconhecimento testemunha um movimento mais amplo no design sul-africano, que une herança e inovação, ao mesmo tempo que cria oportunidades para fabricantes locais acessarem novos mercados. Desde 2021, a Clout/SA tem impulsionado as exportações de design sul-africano em mais de 225 milhões de randes, exibindo mais de 70.000 peças em mais de 25 países.

Através de sua plataforma, colaboração e apoio contínuo a designers iniciantes, a Clout/SA continua a ligar a prática criativa às oportunidades comerciais. A sala de Isaac Songwe incorpora essa visão, mostrando como o design pode preservar histórias, elevar o nível de talentos locais e mudar a percepção da criatividade sul-africana. Neste contexto, o design é algo mais do que apenas o preenchimento de um cômodo; é uma forma de contar nossas histórias em nossos próprios termos.

O concurso de artes visuais Absa L’Atelier serve como plataforma para jovens artistas visuais em toda a África há 40 anos. Ele foi estabelecido em 1986 em colaboração com a Associação Nacional de Artes Visuais da África do Sul (SANAVA).

Este concurso ajuda a reconhecer os talentos dos artistas, fornecendo-lhes oportunidades para desenvolver seus trabalhos através de exposições, mentoria e reconhecimento internacional.

Os vencedores de 2026 foram anunciados na feira Absa L’Atelier Art & Lifestyle Fair no Waterfall City Park, na sexta-feira, 10 de outubro. Segundo relatos, este ano o concurso atraiu um número recorde de inscrições e centenas de obras adequadas de artistas de 12 mercados Absa na África.

Três artistas receberam o prêmio Embaixador de Artes Absa L’Atelier: Reginald Boateng, de Gana; Emmanuel Chisenga, da Zâmbia; e Segun Owolabi, da Nigéria. A artista sul-africana Thuzuru Mlima, de Durban, conquistou o Prêmio Gerhard Sekoto Absa L’Atelier Art. Para cada vencedor, este reconhecimento tem um significado próprio. Alguns veem nele uma chance de levar as histórias enraizadas em suas comunidades a um público mais amplo, enquanto outros esperam usar o apoio para experimentar novas técnicas e desafiar abordagens artísticas existentes.

Ao discutir seus trabalhos e o significado dos prêmios para os próximos passos, quatro artistas compartilharam suas opiniões com a publicação 'The National'.

Boateng, cujos trabalhos exploram temas como trabalho, saúde mental, degradação ambiental e identidade africana, acredita que o prêmio lhe dá a oportunidade de apresentar essas histórias ao público em geral. Ele afirmou que sua arte é moldada por sua cultura ganense, pelas pessoas ao seu redor e pelas histórias que eles compartilham como africanos. Ele está convencido de que cada pessoa tem sua história única e sua maneira de entender o mundo, mas a cor é uma linguagem universal que conecta pessoas e transmite emoções, ideias e significado além das palavras.

Suas obras incluem 'Pesca por Ouro', dedicada ao valor do trabalho; 'Cor da Emoção', que reflete o estado mental humano; 'Nossas Águas Ficam Vermelhas', que aborda o problema ecológico; e 'Filho da África', que celebra a identidade africana. Apesar da diversidade de temas, Boateng vê na cor um elo que permite que suas mensagens transcendam fronteiras culturais e geográficas.

Ele também expressou esperança de que o reconhecimento ajude a mudar a percepção da fotografia na arte contemporânea. Receber o prêmio Embaixador de Artes Absa L’Atelier lhe deu uma plataforma para que o mundo visse suas histórias através de uma lente, além de promover um reconhecimento mais amplo da fotografia como uma forma legítima de arte contemporânea, digna do mesmo respeito e lugar que outras formas de arte. Isso fortalece sua crença de que a fotografia pode transmitir ideias poderosas, desafios e perspectivas. Inspirado pela mensagem do banco 'Sua história importa', ele busca criar um espaço onde as histórias, identidades e experiências de Gana e da África sejam notadas, valorizadas e compreendidas fora das fronteiras. Usando a cor como linguagem universal, ele espera unir diversas histórias em toda a África e no mundo, lembrando que, embora a experiência individual possa variar, sempre há algo que une as pessoas.

Para Chisenga, este prêmio tem um significado que vai além de sua carreira. Ele se tornou o primeiro artista da Zâmbia a receber o prêmio Embaixador de Artes Absa L’Atelier desde a introdução da estrutura de grupo do concurso em 2019. Este artista, que criou obras sobre crianças e sua imaginação por muitos anos, observou que o reconhecimento confirma que as histórias da Zâmbia podem encontrar seu público fora do país. Ele enfatizou que esta etapa significa muito para ele: pessoalmente, é uma confirmação de que suas narrativas sobre crianças e imaginação inexplorada finalmente foram ouvidas. Este prêmio diz a ele que as histórias da Zâmbia têm lugar no cenário continental, e ele não precisa pintar como outra pessoa para ser notado. Chisenga espera que essa conquista inspire jovens artistas na Zâmbia a seguir sua vocação sem sentir a necessidade de deixar o país em busca de reconhecimento. Ele quer que isso seja um sinal para todo jovem artista na Zâmbia de que não é preciso sair para ser de nível mundial, basta contar sua história zambiana com honestidade. Além disso, ele deseja que o prêmio mude a percepção da arte visual na Zâmbia, atraindo atenção para pintores, escultores e contadores de histórias cujos trabalhos merecem mais atenção. Ele acrescentou que ele é o primeiro, mas sua esperança não é a última.

Para Owolabi, o prêmio abre oportunidades para o desenvolvimento tanto dos aspectos técnicos quanto conceituais de sua prática. O artista nigeriano trabalha com fios, usando esse material para explorar memória, identidade e conexões humanas. Ele pretende investigar como o fio pode transmitir essas ideias, indo além de seu papel como meio, e também considerar a identidade cultural e o legado nigerianos, especialmente as maneiras como as pessoas continuam a interpretar e viver a história. O prêmio de Embaixador inclui a possibilidade de realizar uma exposição pessoal, com o banco contribuindo com 100.000 rand para cobrir despesas materiais. Os vencedores também recebem workshops de arte, um laptop ou dispositivo equivalente, e quatro meses de mentoria com uma autoridade proeminente em artes visuais em seus respectivos países. Owolabi observou que, graças à exposição e à mentoria, ele espera desafiar sua abordagem atual, aprender com especialistas experientes e entender melhor como transmitir suas ideias a diferentes públicos. Para ele, crescimento significa não apenas melhorar a técnica, mas também ganhar maior precisão e confiança nas histórias escolhidas.

Quanto a Mlima, o Prêmio Gerhard Sekoto lhe dará a oportunidade de experimentar sua prática de relevo e escultura em madeira durante uma estadia de três meses no Cité Internationale des Arts em Paris, França, de abril a junho de 2027. O artista de Durban quer descobrir se pode transformar seus relevos e esculturas de madeira em obras tridimensionais, bem como considerar como o contato com outro ambiente cultural pode influenciar sua exploração da universalidade. Ele declarou que, com os vastos recursos e informações disponíveis, gostaria de estudar a possibilidade de transformar suas esculturas de madeira em obras tridimensionais. Além disso, o contato com outra parte do mundo certamente reforçará sua pesquisa atual sobre o conceito de universalidade.

O Prêmio Gerhard Sekoto, instituído há 18 anos, é concedido a um artista sul-africano pelo integridade e qualidade de seu trabalho. Além da estadia em Paris, Mlima terá a oportunidade de realizar uma exposição pessoal, com o Absa contribuindo com 100.000 rand para cobrir despesas materiais. Este prêmio foi possível graças à parceria entre a Embaixada da França na África do Sul e o Institut français d’Afrique du Sud (IFAS). Jean Spiry, chefe do departamento de cooperação da Embaixada da França na África do Sul, Lesoto e Moçambique e diretor do IFAS, observou que o legado de Gerhard Sekoto lembra a importância da liberdade artística e da troca através das fronteiras. Graças a este prêmio, jovens artistas sul-africanos podem desenvolver sua prática e estabelecer conexões internacionais. Ele parabenizou o vencedor de 2026 e reafirmou o compromisso de apoiar a troca artística entre França e África do Sul.

Os vencedores de 2026 agora terão a chance de desenvolver suas atividades por meio de exposições, mentoria e experiência internacional. As inscrições para o próximo Concurso de Arte Absa L’Atelier estão programadas para abrir em março de 2027 e fechar no final de abril.