चार उभरते दक्षिण अफ्रीकी कलाकार जिनकी कृतियाँ केप टाउन में प्रदर्शनी में प्रदर्शित होंगी

दक्षिण अफ्रीकी कलाकार मारी सिबांडी अपनी विकसित होती रचनात्मक प्रक्रिया, एक संरक्षक की भूमिका और 'ऑक्युपाइंग द गैलरी' पहल के माध्यम से युवा लेखकों के लिए मंच बनाने के बारे में अपने विचार साझा करती हैं।

मारी सिबांडी ने अपने करियर का अधिकांश समय अपनी कलाकृति में अश्वेत महिलाओं की पहचान, इतिहास और अनुभव के विषयों की खोज करने में समर्पित किया है। वह अपने अल्टर-ईगो सोफी के रूप में सबसे अधिक जानी जाती हैं, जो एक घरेलू कामगार के रूप में चित्रित की जाती है। सिबांडी नस्ल, लिंग और श्रम के बारे में स्थापित धारणाओं को चुनौती देने के लिए मूर्तिकला, फोटोग्राफी और प्रदर्शन का उपयोग करती हैं।

हालांकि, उनका रचनात्मक दृष्टिकोण लगातार बदल रहा है। हाल ही में, वह आराम, अवकाश और आनंद की अवधारणाओं पर अधिक ध्यान केंद्रित कर रही हैं। यह सवाल उठता है कि जब सोफी काम करना बंद कर देती है तो क्या होता है, और यदि यह संघर्ष या दायित्वों द्वारा परिभाषित नहीं है तो स्वतंत्रता कैसी दिखती है।

अपनी कलात्मक गतिविधियों के अलावा, सिबांडी अन्य कलाकारों का समर्थन करने में रुचि रखती हैं। दक्षिण अफ्रीकी कलाकार लॉरेंस लेमाओआना के साथ मिलकर, उन्होंने जोहान्सबर्ग में स्थित 'ऑक्युपाइंग द गैलरी' (OTG) की स्थापना की है - एक ऐसा मंच जिसका उद्देश्य कलाकारों का विकास, मेंटरशिप और रचनात्मक आदान-प्रदान है।

OTG प्रदर्शनियों या वाणिज्यिक परिणामों पर ध्यान केंद्रित नहीं करता है; इसके बजाय, यह उभरते कलाकारों को मान्यता प्राप्तpractitioners, डिजाइनरों और कारीगरों के साथ कामकाजी संबंधों में शामिल करता है। यह एक ऐसी जगह है जहां ज्ञान सहयोग और प्रयोग के माध्यम से स्थानांतरित होता है।

हाल के प्रोजेक्ट्स में माली कलाकार अबुबकर फोफाना के साथ एक निवास कार्यक्रम शामिल है, जिनका काम पारंपरिक इंडिगो रंगाई और मूल अफ्रीकी ज्ञान के संरक्षण पर केंद्रित है। इस कार्यक्रम के तहत, फोफाना ने 24 अक्टूबर को जोहान्सबर्ग में विक्टोरिया यर्ड्स में एक कार्यशाला आयोजित की, जिसमें स्थानीय रचनाकारों, डेनिम निर्माताओं और फैशन विशेषज्ञों को इकट्ठा किया गया।

हमने सिबांडी से बात की ताकि 'ऑक्युपाइंग द गैलरी' के पीछे के विचारों, स्थापित कलाकारों द्वारा अगली पीढ़ी को दी जा सकने वाली सहायता और वर्षों से कला के साथ उनके अपने संबंधों में कैसे बदलाव आया, इस पर चर्चा की जा सके।

लॉरेंस और मैं कला की दुनिया में काफी समय से हैं, इसलिए हम समझते हैं कि शुरुआती चरण में इसमें नेविगेट करना कितना जटिल हो सकता है। हमारा लक्ष्य उस स्थान का निर्माण करना था जिसकी हमें अपनी जवानी में कमी महसूस हुई थी। एक ऐसी जगह जहाँ कलाकार प्रयोग कर सकें, गलतियाँ कर सकें, विचारों का आदान-प्रदान कर सकें और बस कला का आनंद ले सकें, बिना लगातार कुछ बेचने के लिए बनाए जाने की चिंता किए।

सिबांडी इस पहलू के महत्व पर जोर देती हैं, यह कहते हुए कि कलाकार जो कुछ भी बनाता है, वह जरूरी नहीं कि किसी की दीवार पर लगे। 'ऑक्युपाइंग द गैलरी' कलाकृतियों की बिक्री नहीं करता है; इसका मिशन समुदाय का निर्माण करना, कलाकारों का समर्थन करना और दरवाजे खोलना है। इसके अलावा, वे इस बात पर सवाल उठाना चाहते हैं कि इन कला स्थानों पर कब्जा करने का अधिकार किसे है।

उनके विचार में, यदि किसी व्यक्ति को ज्ञान, अनुभव और पहुंच प्राप्त करने का अवसर मिला है, तो वह इसके साथ क्या करता है? क्या वह इसे अपने पास रखता है? कभी-कभी किसी को सही व्यक्ति से मिलवाना या उसे ऐसी जगह पर आमंत्रित करना पर्याप्त होता है जहाँ वह आमतौर पर नहीं जा पाता। हालांकि, सिबांडी मानती हैं कि मेंटरशिप का मतलब युवा कलाकारों को यह बताना नहीं होना चाहिए कि क्या करना है। उन्हें अपने स्वयं के स्वर खोजने, अपनी गलतियाँ करने और यहां तक कि सलाहकारों की राय को चुनौती देने की आवश्यकता है। उन्हें छोटी नकल नहीं बनना चाहिए।

लॉरेंस और अबुबकर की मुलाकात कई साल पहले न्यूयॉर्क में हुई थी और वे तुरंत एक दूसरे से जुड़ गए थे। पिछले साल बर्लिन में एक समूह प्रदर्शनी के दौरान वे फिर मिले, और तभी गहरी बातचीत शुरू हुई। उन्हें अबुबकर की प्राकृतिक इंडिगो रंगाई के माध्यम से वंशानुगत ज्ञान को संरक्षित करने और प्रसारित करने की प्रतिबद्धता में रुचि थी। एक ऐसे युग में जब बहुत सारे मूल ज्ञान खो जाते हैं या अनदेखा किए जाते हैं, अबुबकर जैसे लोग अपना जीवन उनका समर्थन करने में समर्पित करते हैं।

उनके लिए यह केवल किसी को कपड़े रंगना सिखाने के लिए आमंत्रित करने से कहीं अधिक था। यह कौशल के हस्तांतरण, सामग्री की उत्पत्ति और उनके द्वारा लाए गए ज्ञान की समझ से जुड़ा है। उन्होंने स्थानीय डेनिम निर्माताओं और फैशन डिजाइनरों को भी आमंत्रित किया, क्योंकि सिबांडी इस बात में रुचि रखती हैं कि क्या होगा जब ये पारंपरिक तरीके आधुनिक डिजाइन से मिलेंगे। यही सबसे रोमांचक है।

सिबांडी का मानना है कि पहली चीज जो करनी चाहिए वह सुनना जानना है। आप बस आकर तकनीक नहीं ले सकते क्योंकि यह सुंदर लगती है, और उससे जुड़ी हर चीज को नजरअंदाज कर सकते हैं। इन प्रथाओं के पीछे इतिहास, संस्कृति और ज्ञान है। इसीलिए अबुबकर की उपस्थिति इतनी महत्वपूर्ण है: वे केवल कपड़े रंगने की प्रक्रिया को नहीं देख रहे हैं, बल्कि उस व्यक्ति से सीख रहे हैं जो इस ज्ञान को वहन करता है और इसकी उत्पत्ति को समझता है। उनके लिए सांस्कृतिक आदान-प्रदान एक संवाद होना चाहिए, न कि निष्कर्षण का कार्य। अध्ययन किए जा रहे लोगों और इतिहास का सम्मान करना आवश्यक है।

वर्तमान में, वह आराम, अवकाश और आनंद के बारे में बहुत सोच रही हैं। लंबे समय तक सोफी घरेलू काम और अश्वेत महिलाओं के शरीरों पर डाले गए अपेक्षाओं से जुड़ी रही है। सोफी उसका अल्टर-ईगो है, एक घरेलू कामगार की आकृति जिसका उपयोग वह अश्वेत महिलाओं के इतिहास और संभावनाओं की खोज के लिए करती है। लेकिन अब वह यह पता लगा रही है कि क्या होगा यदि वह तय करती है कि उसे यह सब काफी है। क्या होगा यदि वह बस मौज-मस्ती करना चाहती है? क्या होगा यदि वह कुछ भी नहीं करना चाहती है? क्यों उसका अस्तित्व हमेशा काम, संघर्ष या किसी जिम्मेदारी से जुड़ा होना चाहिए?

वह मूर्तिकला, फोटोग्राफी, प्रिंटमेकिंग और हास्य के माध्यम से इन सवालों की जांच करती हैं। वह बताती हैं कि यह काफी कट्टरपंथी है जब शरीर, जिसे ऐतिहासिक रूप से दूसरों की सेवा करने के लिए अपेक्षित किया जाता था, बस खुद का आनंद लेने का निर्णय लेता है। सोफी अपने अवकाश के अधिकार की घोषणा करती है, और उनके विचार में, वह पूरी तरह से हकदार है।

बेशक। जैसे-जैसे वह बड़ी होती जाती है, अलग-अलग प्रश्न उठने लगते हैं। जब उन्होंने शुरुआत की थी, तो उनकी मुख्य चिंताएं घरेलू श्रम, पहचान और प्रतिनिधित्व की कहानियां थीं, खासकर अपने परिवार की महिलाओं के अनुभवों के माध्यम से। ये कहानियां उनके काम से गायब नहीं हुई हैं, लेकिन अब वह न केवल उनके अर्थ पर बल्कि इस पर भी रुचि रखती हैं कि उसके बाद क्या होता है। सच्ची स्वतंत्रता कैसी दिखती है? वह हास्य, अतिशयोक्ति और कभी-कभी कुछ बेतुका बनाकर अधिक चंचल भी हो गई हैं। उनका मानना है कि गंभीर विषयों पर भी सब कुछ इतना गंभीर नहीं होना चाहिए।

उनकी रचनात्मकता अभी भी कल्पना और जिज्ञासा से प्रेरित है। कभी-कभी दिमाग में एक छवि आती है, और वह सोचने लगती हैं कि इसे वास्तविक दुनिया में कैसे साकार किया जाए, जो निश्चित रूप से कार्यान्वयन के तरीके को परिभाषित करने की एक जटिल चुनौती को जन्म देता है। वह विभिन्न सामग्रियों और विशेष कौशल वाले लोगों के साथ काम करती हैं, जिसका अर्थ है कई प्रयोग और समस्या-समाधान। उन्हें यह पसंद है कि निर्माण की प्रक्रिया स्वयं कभी-कभी विचार को अप्रत्याशित दिशा में ले जाती है। उन्होंने सीखा है कि हर चीज को बहुत अधिक नियंत्रित नहीं किया जाना चाहिए; कभी-कभी सामग्री की अपनी योजनाएं होती हैं।

वह आमतौर पर छवि से शुरू करती हैं, क्योंकि वह एक बहुत ही दृश्य व्यक्ति हैं। वह सोफी को एक बिल्कुल अप्रत्याशित स्थिति में कल्पना कर सकती हैं, और फिर खुद से पूछती हैं कि यह छवि उन्हें क्यों आकर्षित करती है। इसका क्या मतलब है? वह क्या कहने की कोशिश कर रही है? या शायद वह कुछ कहने की कोशिश नहीं कर रही है? कभी-कभी जवाब तुरंत नहीं आते हैं, और यह सामान्य है। उन्हें मूल्य को काम के दौरान प्रकट होने देना पसंद है, क्योंकि उनका मानना है कि प्रक्रिया शुरू होने से पहले हमेशा यह जानने की ज़रूरत नहीं है कि विचार कहाँ जाएगा।

वह वास्तव में इसकी सराहना करती हैं। जैसे ही काम उनकी स्टूडियो छोड़ता है, यह सार्वजनिक समझ के मामले में पूरी तरह से उनका नहीं रहता है। लोग उसमें अपनी कहानियाँ और अनुभव लाते हैं, और कभी-कभी वह देखते हैं जिसके बारे में उन्होंने सोचा भी नहीं था। और वह कौन है कि उन्हें यह बताए कि वे गलत हैं? हालांकि वह जानती हैं कि किस चीज़ ने काम को आकार दिया है, लेकिन उनका मानना है कि कला के साथ निर्देश नहीं होना चाहिए जो लोगों को यह बताने के लिए निर्देशित करे कि क्या सोचना है। उन्हें यह पसंद है कि काम विभिन्न लोगों के लिए विभिन्न अर्थ रख सकता है, क्योंकि यह संवाद को बढ़ावा देता है।

संभवतः वह खुद को थोड़ा आराम करने की सलाह देंगी। सहज ज्ञान पर भरोसा करना, गलतियाँ करना, प्रयोग करना और सब कुछ जल्दी हल करने की जल्दी न करना। वह खुद से यह भी कहेंगी कि कलाकार होना केवल कृतियाँ बनाना और प्रदर्शनियों में भाग लेना नहीं है। यह वे लोग हैं जिनसे आप मिलते हैं, वे रिश्ते हैं जो आप बनाते हैं, और आप अवसरों का उपयोग कैसे करते हैं जो सामने आते हैं। 'ऑक्युपाइंग द गैलरी' की गतिविधियों को देखते हुए, वह समझती हैं कि यह कितना महत्वपूर्ण है, और खुद को इसका आनंद लेने की सलाह देंगी, क्योंकि यह एक लंबी यात्रा है।

क्लआउट/एसए वैश्विक दर्शकों के सामने दक्षिण अफ्रीकी शिल्प और समकालीन डिज़ाइन प्रस्तुत करता है, जिसमें हाथ से कढ़ाई किए गए टेपेस्ट्री से लेकर मूर्तिकला प्रकाश व्यवस्था और ज्यामितीय गलीचों तक की कृतियाँ प्रदर्शित की जाती हैं।

दक्षिण अफ्रीकी डिज़ाइन अद्वितीय है क्योंकि यह सामग्रियों के माध्यम से कहानियाँ व्यक्त करता है। धागे, मनके, कॉर्क, मिट्टी और ऊन केवल सजावट नहीं रहते हैं; वे यादें वहन करते हैं, विशिष्टता को दर्शाते हैं और कारीगरों की पीढ़ियों को नए दर्शकों से जोड़ते हैं। क्लआउट/एसए इस परंपरा को जारी रखता है, स्थानीय डिजाइनरों और कारीगरों को ऐसी जगहों पर एकीकृत करता है जहाँ उनकी रचनात्मकता अनुभव का केंद्रीय तत्व होती है।

इस दृष्टिकोण का एक प्रमुख उदाहरण जोहान्सबर्ग में आइज़ेक शोंगवे का कमरा है। यहाँ दक्षिण अफ्रीकी रचनात्मकता की क्षमता साकार होती है, जिसे सुना जाने का अवसर मिला है।

क्लआउट/एसए का दृष्टिकोण

ट्रेसी लिंच, क्लआउट/एसए की कार्यकारी रचनात्मक निदेशक ने कहा कि लक्ष्य दक्षिण अफ्रीकी डिज़ाइन और शिल्प के शक्तिशाली और जीवंत प्रदर्शनों से प्रत्येक आगंतुक को प्रभावित करना था। उन्होंने इस बात पर जोर दिया कि लोगों को दक्षिण अफ्रीकी रचनात्मकता की विशिष्टता को पहचानना चाहिए और समझना चाहिए कि दक्षिण अफ़्रीकी लोगों का एक साथ आना एक शानदार शक्ति बनाता है जो राष्ट्र के बारे में लोगों की धारणा को बदल सकता है।

इस कमरे के केंद्र में 'द रेजिलिएंस पीस' नामक एक कृति है - केइस्काम्मा आर्ट प्रोजेक्ट द्वारा एक विशाल कढ़ाई वाला टेपेस्ट्री। यह टेपेस्ट्री, जिसे लगभग 12 कलाकारों ने लगभग एक साल में बनाया, कोविड-19 महामारी के दौरान पूर्वी केप के ग्रामीण समुदाय के अनुभव को जटिल वस्त्र कथा के माध्यम से दस्तावेजित करती है। इसके पास सियैंडी मबेले के ज्यामितीय गलीचे, विड डिज़ाइन के कॉर्क की मूर्तिकला स्थापनाएं, कालकी डिज़ाइन स्टूडियो के मोती वाले स्क्रीन और मश.टी डिज़ाइन स्टूडियो का हस्तनिर्मित लटकन लैंप हैं, जो स्थान में अपनी भौतिक भाषाएँ जोड़ते हैं।

केइस्काम्मा आर्ट प्रोजेक्ट के निदेशक सेबो मवुबु ने उल्लेख किया कि सहयोग की प्रक्रिया उन्हें मदद करती है और उन्हें बाहरी दुनिया से जोड़ती है। उन्होंने आगे कहा कि वे गैम्बर्ग, ईस्ट केप में काफी अलग-थलग हैं और मीडिया या सोशल नेटवर्किंग तक उनकी बहुत कम पहुंच है। एआईडीए पुरस्कार जीतना उनके काम और क्लआउट/एसए के साथ सहयोग को मान्यता देता है, जिससे उनकी परियोजनाओं, समुदाय और गतिविधियों पर प्रकाश पड़ता है, साझेदारी और विकास के लिए नए अवसर खुलते हैं।

ये कार्य सामूहिक रूप से प्रदर्शित करते हैं कि स्थानीय डिज़ाइन कैसे इंटीरियर को बदल सकता है, इसे अधिक सार्थक बना सकता है - शिल्प, समुदाय और आधुनिक दक्षिण अफ्रीकी पहचान के मिलन का स्थान। इस परियोजना को हाल ही में कोटोनू, बेनिन में संस्थापक अफ्रीकी इंटीरियर डिज़ाइन पुरस्कारों (AIDA) 2026 में क्लआउट/एसए द्वारा मान्यता मिली। आइज़ेक शोंगवे का कमरा तीन नामित परियोजनाओं में से एक था, यूनियन हाउस कार्यालय के रीडिज़ाइन और केइस्काम्मा आर्ट प्रोजेक्ट के साथ संयुक्त रूप से विकसित टेक्सटाइल संग्रह 'स्टिच्ड: ए स्टोरी ऑफ आवर होम' के साथ, जिसे घरेलू सामान और सजावट श्रेणी में 'वर्ष का उत्पाद' का खिताब मिला।

पुरस्कारों से परे

पुरस्कारों के अलावा, यह मान्यता दक्षिण अफ्रीकी डिज़ाइन में एक व्यापक आंदोलन का प्रमाण है जो विरासत और नवाचार को जोड़ता है, साथ ही स्थानीय निर्माताओं के लिए नए बाजारों में प्रवेश करने के अवसर भी बनाता है। 2021 से, क्लआउट/एसए ने 25 से अधिक देशों में 70,000 से अधिक कार्यों को प्रदर्शित करके दक्षिण अफ्रीकी डिज़ाइन के 225 मिलियन रैंड से अधिक के निर्यात को बढ़ावा दिया है।

अपने मंच, सहयोग और उभरते डिजाइनरों के निरंतर समर्थन के कारण, क्लआउट/एसए रचनात्मक अभ्यास और वाणिज्यिक अवसरों के बीच संबंध स्थापित करना जारी रखे हुए है। आइज़ेक शोंगवे का कमरा इस दृष्टिकोण को मूर्त रूप देता है, यह दिखाते हुए कि डिज़ाइन कहानियों को कैसे संरक्षित कर सकता है, स्थानीय प्रतिभाओं के स्तर को बढ़ा सकता है और दक्षिण अफ्रीकी रचनात्मकता के बारे में धारणाओं को बदल सकता है। इस संदर्भ में, डिज़ाइन कमरे को भरने से कहीं अधिक है; यह हमारी अपनी शर्तों पर हमारी कहानियाँ बताने का एक तरीका है।

Absa L’Atelier चित्रकला प्रतियोगिता पिछले 40 वर्षों से पूरे अफ्रीका के युवा दृश्य कलाकारों के लिए एक मंच रही है। इसकी स्थापना 1986 में दक्षिण अफ्रीका की राष्ट्रीय ललित कला संघ (SANAVA) के सहयोग से की गई थी।

यह प्रतियोगिता कलाकारों की प्रतिभा को मान्यता देने में मदद करती है, उन्हें प्रदर्शनियों, मेंटरशिप और अंतरराष्ट्रीय पहचान के माध्यम से अपने काम को विकसित करने के अवसर प्रदान करती है।

2026 के विजेताओं की घोषणा शनिवार, 10 अक्टूबर को वॉटरफॉल सिटी पार्क में Absa L’Atelier आर्ट एंड लाइफस्टाइल फेयर में की गई। रिपोर्टों के अनुसार, इस वर्ष प्रतियोगिता में रिकॉर्ड संख्या में आवेदन प्राप्त हुए और अफ्रीका के 12 Absa बाजारों से सैकड़ों उपयुक्त कार्य प्राप्त हुए।

तीन कलाकारों को Absa L’Atelier कला राजदूत का पुरस्कार मिला: घाना के रेजिनाल्ड बोआटेंग, जाम्बिया के एमैनुएल चिसेंगा और नाइजीरिया के सेगुन ओवोलाबी। दक्षिण अफ्रीका की कलाकार ट्रेज़ूर मलिमा ने डरबन से हर्हार्ड सेकोटो Absa L’Atelier कला पुरस्कार जीता। इन सभी विजेताओं के लिए यह मान्यता का अपना महत्व है। कुछ इसे अपने समुदायों में निहित कहानियों को व्यापक दर्शकों तक पहुंचाने का अवसर मानते हैं, जबकि अन्य समर्थन का उपयोग नई तकनीकों के साथ प्रयोग करने और मौजूदा कलात्मक दृष्टिकोणों को चुनौती देने की उम्मीद करते हैं।

अपनी कृतियों और आगे के कदमों के लिए पुरस्कारों के महत्व पर चर्चा करते हुए, चार कलाकारों ने 'द नेशनल' पत्रिका के साथ विचार साझा किए।

बोआटेंग, जिनके काम श्रम, मानसिक स्वास्थ्य, पर्यावरण क्षरण और अफ्रीकी पहचान जैसे विषयों की पड़ताल करते हैं, का मानना है कि यह पुरस्कार इन कहानियों को व्यापक जनता के सामने प्रस्तुत करने का अवसर देता है। उन्होंने कहा कि उनकी रचनात्मकता उनकी घानाई संस्कृति, आसपास के लोगों और उन कहानियों से आकार लेती है जो वे अफ्रीकी के रूप में साझा करते हैं। उनका दृढ़ विश्वास है कि हर व्यक्ति की अपनी अनूठी कहानी और दुनिया को समझने का तरीका होता है, लेकिन रंग एक सार्वभौमिक भाषा है जो शब्दों से परे लोगों को जोड़ती है और भावनाओं, विचारों और अर्थ को व्यक्त करती है।

उनके कार्यों में 'गोल्ड माइनिंग' शामिल है, जो श्रम के मूल्य को समर्पित है; 'इमोशन का रंग', जो मानव मानसिक स्थिति को दर्शाता है; 'हमारे पानी लाल हो रहे हैं', जो पारिस्थितिकी की समस्या को छूता है; और 'अफ्रीका का बेटा', जो अफ्रीकी पहचान की प्रशंसा करता है। विषयों की विविधता के बावजूद, बोआटेंग रंग को एक सेतु के रूप में देखते हैं जो उनके संदेशों को सांस्कृतिक और भौगोलिक सीमाओं को पार करने की अनुमति देता है।

उन्होंने यह भी व्यक्त किया कि वह आशा करते हैं कि यह मान्यता समकालीन कला में फोटोग्राफी की धारणा को बदलने में मदद करेगी। Absa L’Atelier कला राजदूत का पुरस्कार उन्हें एक ऐसा मंच प्रदान करता है जिससे दुनिया लेंस के माध्यम से उनकी कहानियों को देख सके, और यह फोटोग्राफी को आधुनिक कला के एक वैध रूप के रूप में व्यापक मान्यता दिलाने में भी योगदान देता है, जो अन्य कला रूपों के समान सम्मान और स्थान का हकदार है। यह इस विश्वास को मजबूत करता है कि फोटोग्राफी शक्तिशाली विचारों, चुनौतियों और संभावनाओं को व्यक्त कर सकती है। बैंक के संदेश 'आपकी कहानी मायने रखती है' से प्रेरित होकर, वह एक ऐसा स्थान बनाना चाहते हैं जहां घाना और अफ्रीका की कहानियों, पहचान और अनुभवों पर सीमाओं से परे ध्यान दिया जाए, सराहा जाए और समझा जाए। रंग को एक सार्वभौमिक भाषा के रूप में उपयोग करते हुए, वह पूरे अफ्रीका और दुनिया की विविध कहानियों को एकजुट करने की उम्मीद करते हैं, यह याद दिलाते हुए कि हालांकि व्यक्तिगत अनुभव भिन्न हो सकते हैं, हमेशा कुछ ऐसा होता है जो लोगों को करीब लाता है।

चिसेंगा के लिए, यह पुरस्कार उसकी करियर से परे महत्व रखता है। वह 2019 में प्रतियोगिता की समूह संरचना शुरू होने के बाद से जाम्बिया के पहले कलाकार बने जिन्होंने Absa L’Atelier कला राजदूत का पुरस्कार जीता। इस कलाकार, जिसने वर्षों से बच्चों और उनकी कल्पना के बारे में रचनाएँ बनाई हैं, ने उल्लेख किया कि यह मान्यता पुष्टि करती है कि जाम्बिया की कहानियों को देश की सीमाओं से बाहर दर्शक मिल सकते हैं। उन्होंने इस चरण को अपने लिए बहुत महत्वपूर्ण बताया: व्यक्तिगत रूप से, यह इस बात की पुष्टि है कि बच्चों के बारे में उनकी कहानियाँ, अनछुए कल्पना के बारे में, आखिरकार सुनी गई हैं। यह पुरस्कार उन्हें बताता है कि जाम्बिया की कहानियों का महाद्वीपीय मंच पर स्थान है, और उन्हें पहचाने जाने के लिए किसी और की तरह चित्रकारी करने की आवश्यकता नहीं है। चिसेंगा को उम्मीद है कि यह उपलब्धि जाम्बिया के युवा कलाकारों को अपने काम में लगे रहने के लिए प्रेरित करेगी, बिना यह महसूस किए कि उन्हें मान्यता के लिए देश छोड़ना होगा। वह चाहते हैं कि यह जाम्बिया के प्रत्येक युवा कलाकार के लिए एक संकेत हो कि विश्व स्तरीय बनने के लिए विदेश जाने की आवश्यकता नहीं है, बस अपनी जाम्बियाई कहानी ईमानदारी से बताना पर्याप्त है। इसके अलावा, वह चाहते हैं कि यह पुरस्कार जाम्बिया में दृश्य कला की धारणा को बदले, चित्रकारों, मूर्तिकारों और कहानीकारों पर ध्यान आकर्षित करे जिनके काम अधिक ध्यान के लायक हैं। उन्होंने जोड़ा कि वह पहले हैं, लेकिन उनकी उम्मीद आखिरी नहीं है।

ओवोलाबी के लिए, यह पुरस्कार उनकी अभ्यास के तकनीकी और वैचारिक दोनों पहलुओं को विकसित करने के अवसर खोलता है। नाइजीरियाई कलाकार धागों के साथ काम करता है, इस सामग्री का उपयोग स्मृति, पहचान और मानवीय संबंधों की खोज के लिए करता है। वह यह पता लगाना चाहता है कि धागा इन विचारों को कैसे व्यक्त कर सकता है, इसकी भूमिका के रूप में जाने जाने से परे, और नाइजीरियाई सांस्कृतिक पहचान और विरासत पर विचार करना चाहता है, विशेष रूप से तरीके जिनसे लोग इतिहास की व्याख्या करना और जीना जारी रखते हैं। राजदूत पुरस्कार में एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी आयोजित करने का अवसर शामिल है, जिसमें बैंक सामग्री लागत को कवर करने के लिए 100,000 रैंड्स का योगदान देता है। विजेताओं को कला कार्यशालाएं, एक लैपटॉप या समकक्ष उपकरण, और उनके संबंधित देशों में एक प्रमुख दृश्य कला विशेषज्ञ के साथ चार महीने की मेंटरशिप भी मिलती है। ओवोलाबी ने उल्लेख किया कि प्रदर्शनी और मेंटरशिप के माध्यम से, वह अपने वर्तमान दृष्टिकोण को चुनौती देने, अनुभवी विशेषज्ञों से सीखने और विभिन्न दर्शकों तक अपने विचारों को बेहतर ढंग से पहुंचाने की उम्मीद करते हैं। उनके लिए विकास का मतलब केवल तकनीक में सुधार नहीं है, बल्कि चुने गए कहानियों में अधिक सटीकता और आत्मविश्वास प्राप्त करना भी है।

मलिमा के संबंध में, हर्हार्ड सेकोटो पुरस्कार उन्हें अप्रैल से जून 2027 तक पेरिस, फ्रांस में Cité Internationale des Arts में तीन महीने रहने के दौरान अपनी राहत और लकड़ी की नक्काशी की प्रथा के साथ प्रयोग करने का अवसर देगा। डरबन के कलाकार यह पता लगाना चाहता है कि क्या वह अपनी राहतों और लकड़ी की मूर्तियों को त्रि-आयामी कार्यों में बदल सकता है, और यह भी विचार करना चाहता है कि एक अलग सांस्कृतिक वातावरण से परिचय उसके सार्वभौमिकता की खोज को कैसे प्रभावित कर सकता है। उन्होंने कहा कि उपलब्ध विशाल संसाधनों और जानकारी के साथ, वह अपनी लकड़ी की मूर्तियों को त्रि-आयामी कृतियों में बदलने की संभावना का पता लगाना चाहेंगे। इसके अलावा, दुनिया के दूसरे हिस्से से मिलना निश्चित रूप से सार्वभौमिकता की अवधारणा पर उनके वर्तमान शोध को मजबूत करेगा।

हर्हार्ड सेकोटो पुरस्कार, जिसकी स्थापना 18 साल पहले हुई थी, इसे अपनी कृतियों की अखंडता और गुणवत्ता के लिए एक दक्षिण अफ्रीकी कलाकार को दिया जाता है। पेरिस में रहने के अलावा, मलिमा को एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी आयोजित करने का अवसर मिलेगा, जिसमें Absa सामग्री लागत को कवर करने के लिए 100,000 रैंड्स का योगदान देगा। यह पुरस्कार दक्षिण अफ्रीका में फ्रांसीसी दूतावास और Institut français d’Afrique du Sud (IFAS) के बीच साझेदारी के कारण संभव हुआ। फ्रांसीसी दूतावास, लेसोथो और मलावी में सहयोग विभाग के प्रमुख और IFAS के निदेशक, जीन स्पिरी ने टिप्पणी की कि हर्हार्ड सेकोटो की विरासत कलात्मक स्वतंत्रता और सीमाओं के पार आदान-प्रदान के महत्व की याद दिलाती है। इस पुरस्कार के माध्यम से, युवा दक्षिण अफ्रीकी कलाकार अपनी प्रथा विकसित कर सकते हैं और अंतरराष्ट्रीय संबंध बना सकते हैं। उन्होंने 2026 के विजेता को बधाई दी और फ्रांस और दक्षिण अफ्रीका के बीच कलात्मक आदान-प्रदान का समर्थन करने की अपनी प्रतिबद्धता की पुष्टि की।

2026 के विजेता अब प्रदर्शनियों, मेंटरशिप और अंतरराष्ट्रीय अनुभव के माध्यम से अपनी गतिविधियों को विकसित करने के अवसर प्राप्त करेंगे। अगली Absa L’Atelier कला प्रतियोगिता के लिए आवेदन मार्च 2027 में खुलने और अप्रैल के अंत में बंद होने की योजना है।